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ロベルト・ホルの世界 ~ シューベルトの心の闇、この世の地獄 [シューベルト:歌曲]

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 ロベルト・ホルという名前を聞いても、ぴんとこられる方は少ないのではなかろうか。

 最近では、宇野功芳氏がことあるごとに激賞し、そのシューベルトの解釈を熱烈に絶賛している。

 宇野氏が推薦するディスクは、ロッケンハウス・フェスティヴァルにおけるライヴ録音(UCCP-3078/9)で、一度聴いていただければ、その凄さに開眼していただけることだろう。

 「凄さ」と書いたが、図体のでかいバス・バリトンの歌手が、節回したっぷりにオペラを歌っているような風情なのである。大味この上なく、リリックな歌手を好む方には拒絶反応を示すだろう。

 といっても、このライヴ録音は1987年。今から21年前も昔の録音である。

 このディスクを耳にした私は、ひとつひとつのフレーズに命をかけるような歌い方、今まで聴いたことのないような感情のほとばしりに異常なものを感じ、できる限り最近の録音を耳にしたいと思ったのである。

 以前のエントリーで採り上げたのは1995年のスタジオ録音だったが、ホルは抑制しすぎ、ピアノ伴奏は凡庸。今聴くと、ちょっと満足できない出来である。

 現在、Preiser Recordsから直販で入手できるCDがある。それは1995年の録音だが、ライヴ録音、それもピアノ伴奏はロッケンハウス・フェスティヴァルと同じ、マイセンベルク!このマイセンベルクのピアノがまた最高に素晴らしいのだ。 

 ベスト・パートナーと組んだ6年後のライヴ。ホルの歌声は渋みを増し、劇的すぎる表情付けもなくなり、噛み締めるように感情の襞に触れていく。

 マイセンベルクのピアノは、第1曲目「おやすみ」の冒頭から深刻の極み。まるで別の世界から響いてくるような不吉な美しさだ。

 それにしても、ホルの「冬の旅」を聴いていると、どんどん悲しくなり、つらくなり、いたたまれなくなる。でも、これが本当のシューベルトなのだ。怒り、嘆き、世界を呪う、こんなはずではなかったのだ、と。

 


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レオ・スレザークの歌うシューベルト [シューベルト:歌曲]

 戦前の歌手、19世紀後半から20世紀前半を活躍の舞台とした伝説的な歌手たちはシューベルトをどう捉えていたのでしょう。私はシューベルトのリートというと、フィッシャー・ディースカウでもボストリッジでもなく、真っ先にレオ・スレザークが思い浮かびます。

 彼は生まれが1873年、亡くなったのが1946年ですから、まだリストもブラームスも生きていた時代に生きていたことがわかります。青春時代を19世紀のドイツ・ロマンの真っ只中に生きた彼は英雄的なテノール歌手であり、そのテンポやリズムを思いっきり崩して歌い、ポルタメントを多用した歌いっぷりはもうロマンティシズムとセンチマンタリズムの権化といって過言ではないでしょう。

 私はスレザークのCDを高校時代に買いました。声楽をやっている同級生に貸したところ、「先生がやっちゃいけないっていう歌い方のすべてをやってる」と笑いながら返してくれました。きっとこの娘には聴く耳がないのだ、こういう人は良い歌手になれないだろう、なんて若気の至りに思ったのを懐かしく思い出します。

 私といえば、彼の歌いっぷりに身も心も溶けそうになりました。シューベルトの「セレナード」、「菩提樹」、「君は我が安らい」。ピアノがまたまた美しく、完全にスレザークの呼吸と調和しており、たまげました。どれも1928年から29年にかけての録音がほとんどで、フォルティッシモでは声が硬くなってしまうなどの年齢故の弱点もあるのですが、彼のピアニッシモはイタリアのフェルッチョ・タリアヴィーニといい勝負で、ゾクゾクッとさせるものがあります。ホルが聴かせるようなシューベルトの暗い部分は聴かれず、怖ろしい死さえ、悪夢でしかないようです。

 彼の歌を聴いていると、私は本当に生まれる時代を間違えたななどと思ってしまいます。彼らの時代の現実は、まだ我々が生きる現実ほどには辛くなく、そしてロマン、生きる喜びが溢れていたのでしょう。

 時代はゆったりと流れ、そして演奏家は自分の温めた音楽を結晶化させることができた。こういう時代には、内田光子やケラー四重奏団、ホルのようなシューベルト演奏はなかったのかもしれません。時代を超えて、今。私たちは常に自分の内面と向き合わねばなりません。演奏解釈もまた内省的に、そして真実(それがどのようなものであれ)を追求するような演奏が要求されているような気がします。様々な演奏を順々に聴いているとどうもそういう気がしてなりません。

 スレザークが聴かせてくれる歌は大いなる虚構でしかないとしても、私はその夢の中に浸るとき、その世界が愛しくてたまらなくなってしまうのです。

 ところで、フランスの文豪プルーストはあのカペー四重奏団を自室に招いて演奏をさせたという話があります(吉田秀和『私の好きな曲』)。プルーストのベートーヴェン理解は卓越しており、楽屋にしばしば訪れてはカペーのその夜の演奏を評し、カペーも舌を巻いたということです(これなどを聴いても、如何にロマンティックな情緒が戦前にはあったのだろうと憧憬せざるをえません)。

 弦楽四重奏に限ってみれば、神韻飄々たる精神的な響きや脱俗的な世界、神々しいまでの純正調の美しさといったものはどんどん少なくなり、シンフォニックになってきている嫌いがあります。オーケストラの世界はどんどん縮小して室内楽的響きが好まれるようになってきているのに。この逆転現象は不思議ですね。


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ロベルト・ホルの歌うシューベルト [シューベルト:歌曲]

 私はこれまでどちらというと、交響曲ばかりがメインディッシュだったように思う。しかし、近年は大管弦楽の響きが大味になり(古楽器でもそれは変わらない)、弦楽四重奏をはじめとする室内楽を聴くとほっとするようになった。

 以前、ケラー四重奏団のシューベルトについて別館に書いたときに、ホルの「冬の旅」について触れた。今日はそのCDをかけながらBLOGを綴ることにしたい。これはChallenge CLassicsから発売されたもので、1995年に録音されている。1987年のロッケンハウス音楽祭のライヴ (Philips) もあるが(宇野功芳氏激賞の一枚)、私は後年の録音のほうが好きだ。

 シューベルトの音楽については、内田光子の演奏を聴くに及んで、ブルーノ・ワルターが教えてくれた世界とは別の世界を知るようになった。ワルターはシューベルトの牧歌的なロマンというか、「ドイツの夢」を教えてくれたような気がする。彼の指揮するシューベルトの交響曲は終生の宝だ。しかし、シューベルトにはそのような面だけではない、もっと怖ろしいものがあるように思えてならない。その暗部に接するたび、彼の心の中は寂寞として、魂の半分は彼岸にあったのではないかと思えてならない。それはこの「冬の旅」の演奏を聴いても感じられる。

 昔は随分フィッシャー・ディースカウの歌を聴いたものだが、このホルの歌を聴くに及び、「冬の旅」が自分の人生とも重なるようになってしまった。とぼとぼと冬の荒涼とした風景をシューベルトと歩いているような気持ちになる。

 「おやすみ」のおずおずとした序奏、ホルの感情をこめ、表情過多にならぬように抑制した、深淵から響くような歌い方、翳りの濃い声。「風見鶏」の陰鬱とした気分や、「菩提樹」の彼岸からの子守唄、それらがどれだけずっしりとした重みを胸に残していくことだろう。そして、「川の上で」の中間部のうっとりとあこがれるようなつかの間の夢、そして終結部の自分への問いかけと怒り、「からす」の不吉さ、「最後の希望」の虚無感、「道しるべ」ではぽっかりと絶望が口を開け、「辻音楽師」ではついに真の絶望に達する、、、。

 よく「辻音楽師」の最後で若者は救われるのだ、という解説を目にするが、とんでもないことだと思う。救済を意図した音楽がこのような終わり方をするだろうか。年老いて目も見えず、子供にからかわれ、氷の上を手回しオルガンを奏でながら裸足である音楽師を旅の友にする。これが救済なのだろうか。辻音楽師とは若者の最後の姿ではないのか?

 宇野功芳氏は、ロベルト・ホルのシューベルトを批評し、「辻音楽師」の最後を弱音で結んだらどんなに良いかと述べられていたが、私もそのような解釈が可能ならば聴いてみたい。


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